avanguardie.notebook 1 May 26, 2010 LE ... - artestudioragazzi

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May 26, 2010

mondrian

LE AVANGUARDIE ARTISTICHE DEL 900 Dall’inizio del 1900 il concetto estetico cambia e questa rivoluzione viene portata avanti da una serie di correnti artistiche definite Avanguardie. Nel 1900 nascono l’Espressionismo, il Cubismo, il Futurismo e l’Astrattismo, nel 1914 nasce il Gruppo Dada e nel 1924 il Surrealismo. Le avanguardie sono associazioni culturali, che raccolgono letterati, musicisti ed artisti, alla base di ognuna delle quali vi è uno scritto teorico, definito manifesto, delineato da un intellettuale. Vi sono poi due o tre pittori che lo affiancano e, insieme a questi, tutti coloro che vogliono partecipare. Ad ogni associato viene chiesto di condividere il manifesto e di versare una quota associativa. Il motivo della nascita delle avanguardie sta nella crisi della società nei primi anni del XX secolo e nella nascita della consapevolezza che chiunque può dare un contributo attivo per migliorare la società. Il motto preso come riferimento da tutte le avanguardie è quello che propone Nietzsche, ovvero distruggere per ricostruire. Il compito che l’arte assume con le avanguardie non è quello di mandare un messaggio estetico, ma quello di far nascere nuove idee nell’osservatore. L’arte diventa quindi il mezzo di produzione di un pensiero nuovo che permetta di agire sulla società. Cambia l’idea di estetica, che ora si basa sui contenuti, e l’artista diventa colui che esprime un pensiero nuovo interpretando la realtà, non considerando più i criteri di bellezza estetica. Il linguaggio si rifà alla moda delle maschere africane, divenendo primitivo e violento; queste maschere sono deformate nella forma e nel colore e l’utilizzo di colori violenti da parte degli artisti è volto a colpire nell’ intimo le emozioni dell’osservatore. Il linguaggio è coerente con il contenuto e l’artista che lo propone è il vero protagonista dell’arte, e diventa quindi una figura importante

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munch

ESPRESSIONISMO: L’ espressionismo è la prima avanguardia che nasce, e si sviluppa in due correnti, una tedesca e una francese. La corrente tedesca prende il nome di “Die Brucke”, titolo che è un omaggio alla filosofia di Nietzsche per il concetto di ponte che il superuomo deve costruire per andare oltre la civiltà moderna. DIE BRÜCKE (ESPRESSIONISMO TEDESCO): Ogni avanguardia ha un teorico, un manifesto e degli artisti, ovvero un gruppo di promotori che sono i primi a fondarla. Il teorico della corrente tedesca è Eric Heckel, mentre gli esponenti principali sono Kirchner, Nodle e Munch. Il manifesto è datato 1906 e proclama la libertà d’azione, la volontà di rappresentare l’impulso creativo e sottolinea l’importanza di un movimento giovane e che combatte il vecchio, il quale arresta la creatività. Il linguaggio è aggressivo e propone la deformazione di forme e colore. Il colore è fondamentale ed è simbolo dell'interiorità e non di ciò che si vede da fuori (come lo era per Van Gogh) ed è l’elemento pittorico che si coglie per primo. La forma non è ripresa dalla realtà, ma esprime la crudeltà e la violenza dell’ uomo. L'arte diventa mezzo di denuncia sociale.

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MUNCH : Non è un espressionista, ma affianca gli espressionisti della fine dell' 800. E' Norvegese ma studia e vive a Berlino, compiendo anche un viaggio a Parigi. Ha una vita drammatica e perdendo la madre e la sorella afferma che il male e la morte sono entrati nella sua casa. Si trascina questa sofferenza durante tutta la vita e giungerà alla follia, ma come Van Gogh troverà nella pittura un modo per scaricare l’ansia, motivo per cui la sua pittura appare come il suo diario illustrato.I temi frequenti sono l'autoritratto (i tratti espressivi che parlano prima di ansia e negatività e poi di rassegnazione sottolineano lo sviluppo della sua personalità) e la bambina malata (che riconduce ad una situazione familiare o a situazioni simili da lui direttamente vissute). Altri due temi sono l’amore, che appare come insoddisfazione, ricerca e drammaticità e la morte, inevitabilmente connessa all’amore stesso. Tema fondamentale è anche quello della donna. La bambina malata: Il volto della bambina è pallido, ma pare che sia lei a consolare la madre che è disperata. Le figure appaiono appiattite e si rifanno alla sintesi tipica di Toulouse Lautrec. Il linguaggio è simbolista e si nota, ad esempio, nella ripresa del colore dei capelli della bambina nella colorazione del bicchiere. Madonna: Tema tipico della donna, che nonostante rappresenti la fertilità appare quasi una Madonna. La presenza di un feto nel riquadro in basso, indica che la sessualità è secondo Munch legata alla maternità. L'urlo: Rappresenta un uomo su un ponte con le mani premute sulle orecchie nell’atto di urlare. Sullo sfondo si scorgono delle persone e delle barche; l’ opera appare come un racconto autobiografico in quanto egli racconta che durante una passeggiata con degli amici all’improvviso il paesaggio gli appare cambiato e sente dentro di sé un dolore fortissimo. Guardando i suoi amici si accorge che si erano allontanati e che non si erano accorti di nulla, fatto che gli provoca un sentimento di solitudine. Il corpo è ridotto al minimo e appare quasi la rappresentazione del feto del dipinto Madonna. Il personaggio è completamente deformato e si nota l’ accostamento di tratti crudi e duri tipici dell’espressionismo tedesco con i tratti più morbidi di quello francese. I colori hanno un forte valore espressivo ma viene abbandonata la stesura piatta di Matisse per avvicinarsi al simbolismo tipico di Gauguin. C’è un forte accostamento di colori caldi e freddi che crea angoscia e turbamento. Nell’utilizzo dei colori e delle forme si nota un tipico tratto espressionista in quanto viene dipinto ciò che l’artista sente e non ciò che vede.

La bambina malata:

Madonna

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FAUVES (ESPRESSIONISMO FRANCESE): Accentuazione del colore. • Il tema principale è l'uomo. • La forma è stilizzata, semplificata e bidimensionale, e viene considerata come una semplice superficie colorata. • MATISSE Grande amico di Picasso, vive a lungo e ottiene grande successo in vita. Ha una formazione con partenza divisionista Afferma di voler fare dei quadri che offrono un attimo di serenità per i lavoratori e dà quindi sempre una visione pessimista e negativa della vita. Il linguaggio è espressivo per i colori e per la grossa linea nera utilizzata per i contorni delle figure. Non utilizza sfumature e sviluppa una piatta stesura dei colori così da marcare la mancanza della volontà di creare spazialità (tratto tipico di tutto l’espressionismo) Utilizza una linea morbida e spesso aggiunge elementi decorativi che anticipano l'arte liberty La danza: sono rappresentate cinque donne nude che danzano in cerchio tenendosi per mano. I colori fondamentali sono tre: il blu e il verde per la natura, il Giallo per il corpo umano; i colori creano un forte contrasto caldofreddo e rappresentano uno spazio della natura simbolico e assoluto (così come era quello di Gauguin). Il nudo è sinonimo di libertà e il girotondo creato da donne nude esprime la volontà e il piacere di chi vive all’ aria aperta, come i popoli primitivi. E’ evidente una voglia di libertà di cui la società non consente l’espressione. Armonia in rosso (tavola imbandita): rappresentazione di un interno di una sala da pranzo, con una cameriera che sta ordinando della frutta su un vassoio e che può apparire una metafora del pittore che sta ordinando gli oggetti da ritrarre. Appare il tema della finestra, tipico elemento iconografico dell’arte rinascimentale, anche se il paesaggio è privo di prospettiva e appare come se fosse in cornice. La prospettiva è quasi assente e il piano pittorico perde volume e assume bidimensionalità, anche se lo spazio realista non scompare del tutto, sebbene il rosso della tovaglia si espanda nella parete di fondo riducendo i piani prospettici ad un unico spazio. Il rosso è il colore dominante ed appare come opprimente e in contrasto con il verde della natura. Il linguaggio è essenziale in quanto si vuole sottolineare il contenuto dell’opera, ovvero la volontà di ritorno alla natura. La donna è inespressiva ma appare armonica e dolce nei gesti. È forte il motivo decorativo blu applicato nella tovaglia e nella tappezzeria.

Armonia in rosso (tavola imbandita )

La danza

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CUBISMO Un precursore del cubismo fu Cèzanne, soprattutto con l'opera Monte SainteVictoire, ma i fondatori furono Picasso e Braque, che dettero il via a questo movimento artistico nel 1907. Il cubista afferma di dipingere ciò che sa e non ciò che vede da un'unica prospettiva. Un oggetto visto da una sola direzione non permette di essere conosciuto interamente, per cui i cubisti mettono sulla tela tutte le angolazioni di un oggetto o di una persona osservata. Questo principio è in linea con le ideologie fondamentali di tutte le avanguardie, secondo cui si deve frantumare per poi ricostruire. L’oggetto viene quindi scomposto e ricomposto secondo schemi geometrici. L’esatta idea di una persona non si può avere con il semplice ritratto. Vi sono tre tipi di cubismo: il primo periodo del cubismo viene definito analitico e consiste nella suddivisione di tutto l'oggetto secondo modelli geometrici. Presentava però dei problemi perché gli osservatori non capivano quale fosse il soggetto dell’opera, per cui i cubisti cominciarono ad utilizzare sottotitoli per spiegare le loro opere. Il secondo stadio del cubismo viene definito sintetico e consiste in una minore suddivisione degli oggetti e nell’utilizzo del collage per migliorare la visione. A partire da questo momento il cubismo comincia ad avere successo (si parla degli anni 1912/1913) e si sviluppa un terzo tipo di cubismo, definito orfico. Questo appare come un miscuglio di espressionismo e cubismo, in quanto la figura è meno scomposta ma vi è più eccentricità e vivacità cromatica.

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PICASSO Nasce a Malaga ed è figlio di un famoso disegnatore. Durante la sua vita ha un'alta produzione ed assorbe il • linguaggio di tutte le avanguardie, fondandone poi una. È stato surrealista e neoclassicista, ma ha sempre mantenuto un’uniformità di stile. È stato un grande amico di Matisse e ha vissuto intensamente la sua vita, condividendola con diverse donne, la relazione con le quali è, però, sempre sfociata nella separazione. Conosce ToulouseLautrec a Montmartre e riceve una forte spinta espressionista, per cui userà il colore come forte elemento espressivo nel suo linguaggio. In questo periodo condivide una casa con un pittore spagnolo ed il suicidio di questo porterà grandi cambiamenti nella sua arte. Il tema principale che tratta è quello dell uomo, e per questo viene definito il Michelangelo del XX secolo. • Conoscendo ToulouseLautrec incomincia il suo periodo blu, quindi dipinge utilizzando questo colore poiché • afferma che è il colore che meglio esprimeva le sue sensazioni nel momento in cui vide l’amico morto. Durante questo periodo utilizza forme sintetiche e sviluppa una ricerca della sintesi formale piatta ed essenziale, ma non sviluppa un linguaggio post impressionista se non nel tema. L’espressività delle sue opere è sostenuta soprattutto dal colore. Di questo periodo fa parte La vita. Nel 1903 comincia il periodo rosa, quando ha la prima delusione d amore e cerca una soluzione formale nella • rappresentazione di uomini poveri (segue i circhi). La figura umana rappresentata si avvicina a quella di Matisse, ma Picasso non stravolge completamente il corpo se non nelle proporzioni, per cui appare più simile alla realtà. Fanno parte di questo periodo Madre con bambino malato, Madre e figlio e Ritratto di Gertrude Stein. Un viaggio in Italia, dove rimane affascinato dall arte di Raffaello, dà spunto per il successivo periodo • neoclassico, che lo porterà ad abbandonare il cubismo. Torna all’espressività delle figure monumentali che appaiono a volte quasi scolpite nella pietra, come nell’opera Tre donne alla fontana. Les demoiselles d'Avignon: I colori sono molto espressivi e forti; Picasso gioca con i tre fondamentali, rosso blu e • giallo, che appaiono però piatti e fanno sì che il volume appaia solo nella forma. Quindi pur essendo piatte nella stesura cromatica, le figure appaiono plastiche, a differenza di quelle di Matisse. Le linee sono spezzate e fanno sì che le figure sembrino statue rappresentanti la monumentalità che si trova nel periodo classico. Come i soggetti, lo stesso spazio è frantumato e appare non unitario sia per la linea di definizione sia per il colore. Per la rappresentazione dei volti delle donne studia le maschere africane e addirittura uno dei soggetti viene rappresentato con il volto di una maschera. Inserisce la natura morta. In quest’opera si nota lo studio della linea di contorno e delle forme geometriche che compongono il corpo. Guernica: quest’opera fu richiesta per rappresentare a Parigi il padiglione spagnolo e si rifà ad un episodio della • guerra civile a cui Picasso si opponeva. In quest’opera viene riassunto il percorso artistico di Picasso, la cui caratteristica è l’eclettismo. Nella composizione, infatti, si notano tratti classici per quanto riguarda il rapporto tra lo spazio dedicato ai due colori, ma la scomposizione delle figure è tipicamente cubista, così com’è espressionista l’uso dei due colori che simboleggiano la guerra. Le figure appaiono piatte e la composizione è ricca di simboli (il toro, il cavallo e la lampada).

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FUTURISMO Il Futurismo nasce in Italia con il manifesto del 1909 di Martinetti, ma si ramifica presto anche in Russia. Nel • manifesto c'è un invito a seguire la modernità, per cui il Futurismo si presenta come l’unica avanguardia positiva e che sottolinea l’importanza dello sviluppo. Vengono eliminati lo spazio e il tempo assoluto • Il cinema è la novità artistica di questi anni • Si cerca di rappresentare il movimento, che, soprattutto per Boccioni, è quello che rimane impresso nella memoria • dell’artista, per cui la sua rappresentazione riguarda una dimensione mnemonica e interiorizzata del movimento.

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la risata

Forme uniche della continuita' dello spazio

BOCCIONI I due temi fondamentali sono quello della donna e quello del cavallo I colori che usa sono forti, accesi e dai toni provocatori simili a quelli dell'espressionismo La sua partenza è divisionista, così come quella della maggioranza degli artisti Futuristi. Si nota questo in particolare nell’opera Tre donne, dove la scomposizione della luce è tipicamente divisionista. La città che sale: i colori in quest’opera sono accesi e ricchi di personalità. Il motivo del cavallo è preponderante, così come il tema del movimento, che viene qui scomposto creando difficoltà nella lettura delle immagini, che sono indefinite. Si nota una fusione tra ricerca dinamica, tipica del Futurismo, e tratti espressionisti, soprattutto nell’uso dei colori. Materia: quest’opera rappresenta la madre di Boccioni con le mani, che sono il centro focale dell’immagine, che appaiono ingrandite. Le braccia disegnano un cerchio che si conclude nel volto, il quale risulta scomposto cubisticamente. La zona superiore della tela è dominata dal paesaggio urbano, mentre ai lati della figura si trovano un cavallo e un uomo. Quest’opera rappresenta la tipica volontà di esprimere l’emancipazione femminile, in quanto la donna è sì la regina del focolare ma si apre anche al mondo esterno (è infatti seduta su un balcone o comunque vicino ad una finestra da cui si intravede il paesaggio). I colori sono pastosi, forti e brillanti e la colorazione delle mani richiama quella del viso, mentre il resto del corpo è scuro. Nella creazione di Materia si nota il preponderante modello di Cèzanne, soprattutto se si considera Madame Cèzanne nella poltrona rossa, dove il soggetto ha lo stesso impianto, con la stessa circolarità delle braccia. Vi è anche l’influenza di Picasso: considerando l’opera Ritratto di DanielHenry Kahnweiler, si notano molte somiglianze, in particolare un’analoga impostazione delle mani (oltre che, ovviamente, i tratti cubisti nella scomposizione del volto). Sempre le mani, ed in particolare l’effetto di distorsione di queste, sembrano avere un precedente iconografico nell’Autoritratto allo specchio di Parmigianino. Alle fonti artistiche si affianca poi l’esperienza quotidiana della realtà urbana, testimoniata dalla presenza dell’inferriata e delle ciminiere.

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BALLA Si occupa soprattutto del concetto di movimento, affermando che noi percepiamo il movimento come lineare grazie • alla velocità con cui si susseguono i fotogrammi di una pellicola. Ricrea l’effetto dei fotogrammi in Dinamismo di un cane al guinzaglio. Crea opere in cui scompone il movimento e somma queste scomposizioni a linee (definite linee mandamentali) che • indicano il percorso della vista dell’artista. Ha anche lui una partenza divisionista, come si nota nell'opera Elisa ai giardini. •

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Metafisica La storia dell'arte: dal Neoclassicismo a oggi. La poetica della pittura Metafisica La Metafisica è l’altro grande contributo all’arte europea che provenne dall’Italia, nel periodo delle avanguardie storiche. Per la sua palese figuratività, esente da qualsiasi innovazione del linguaggio pittorico, la Metafisica è da alcuni esclusa dal contesto vero e proprio delle avanguardie. Tuttavia, fornì importanti elementi per la nascita di quella che è considerata l’ultima tra le avanguardie: il Surrealismo. Protagonista e inventore di questo stile fu Giorgio De Chirico. Iniziò a fare pittura metafisica già nel 1909, anno di nascita del Futurismo. Rispetto a quest’ultimo movimento, la Metafisica si colloca decisamente agli antipodi. Nel Futurismo è tutto dinamismo e velocità, nella Metafisica predomina la stasi più immobile. Manca la velocità e tutto sembra congelarsi in un istante senza tempo, dove le cose e gli spazi si pietrificano per sempre. Il Futurismo vuol rendere l’arte un grido alto e possente, nella Metafisica predomina invece la dimensione del silenzio più assoluto. Il Futurismo vuole totalmente rinnovare il linguaggio pittorico; la Metafisica si affida invece agli strumenti più tradizionali della pittura: soprattutto la prospettiva. Si potrebbe pensare che la metafisica sia alla fine solo un movimento di retroguardia fermo a posizioni accademiche, invece riesce a trasmettere messaggi totalmente nuovi, la cui carica di suggestione è immediata e evidente.

carra'

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May 26, 2010

Nelle sue opere il pittore supera la concezione estetica dell'arte figurativa, ricercando nuove forme espressive non necessariamente collegate alla congruità degli elementi rappresentati, assembla gli oggetti e li immerge in atmosfere e visioni mentali improbabili.

http://towrite.it/ettoreeandromacadigiorgiodechiricoimanichinidellapitturametafisica 254

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