EL DESNUDO EN EL SIGLO XIX

EL DESNUDO EN EL SIGLO XIX EL MUSEO IMAGINARIO (trabajo evaluación continua asignatura: El Arte del siglo XIX)

TONI BENNASAR

Toni Bennasar MUSEO IMAGINARIO 2 EL DESNUDO EN EL SIGLO XIX

Imagen portada: Edgar Degas “Después del baño” Pastel 50 x 50 cm Museo Estatal del Ermitage de San Petersburgo


Í

ndice

Presentación del Museo Imaginario…………………………………………………………4 Hippolyte Flandrin –Lyon………………………………………………………………………6 Jean Auguste Dominique Ingres…………………………………………………………..…8 Gustave Courbet……………………………………………………………………………………10 Edgar Degas ……………………………………………………………………………………….12 Berthe Morisot……………………………………………………………………………………..14 Paul Gauguin………………………………………………………………………………………..16 Auguste Rodin………………………………………………………………………………………18

E


L desnudo!, ¿ porqué el

desnudo en el siglo XIX,? > (Carta al editor, “A Woman´s Plea”, The Times, 20 May 1885, pag.10) Para muchos artistas académicos y burgueses que apoyaban la tradición clásica, los desnudos femeninos que seguían los cánones de la antigüedad eran interpretados como metáforas idealistas y la interpretación realista de un cuerpo desnudo era rechazada, pictórica, técnicamente y por falta de atrevimiento de retratar a una mujer real.

(Carta al editor, “A Woman´s Plea”, The Times, 20 May 1885, pag.10)

No obstante, los artistas modernos representarían obras con desnudos femeninos y sobre todo tras el desarrollo de la fotografía, esto hizo incrementar las leyes que condenaban a esta pinturas a través de diferentes administraciones públicas y organismos religiosos y se condenaba también en la escuela… aún así el desnudo se seguirá representando y fue un motivo para subvertir las reglas burguesas dominantes y enfrentar instituciones propias de la burguesía como eran las academias estatales y la familia burguesa. Se querían romper las representaciones idealizadas de los siglos anteriores y esto lo sigue Manet con su Olympia, quien escandalizó y destapó la hipocresía de la sociedad del XIX, al pintar de manera realista una prostituta en esta obra, pero no solo fue Manet, otros pintores como Renoir, Degas, Gauguin, Cezanne, quienes creían en el concepto de la “ mujer como naturaleza” 2viene

1

… Siguiendo la naturaleza se obtiene todo. Cuando tengo un cuerpo de mujer 2


a ser un tema muy recurrente, ya que suponían que las características biológicas de la mujer estaban más relacionadas con la naturaleza que con el hombre. Y es este el motivo que me atrajo más la atención de organizar este museo Imaginario, el ver que unos pintores se esforzaban por derrocar lo que estaba impuesto por las academias en siglos anteriores, y lucharon por transgredir unas normas y se esforzaron para lograr una autonomía estética plena y un concepto de belleza, que estaba lejos de ser idealizada, ahora la belleza de la figura femenina era real, de verdad, con el realismo, o de pura investigación colorista a base de una “impresión” con los impresionistas o en busca de la esencia primitiva con Gauguin.

bonito, los dibujos que hago de su cuerpo me proporcionan también imágenes de insectos, pájaros y peces... Una mujer, una montaña, un caballo están hechos de acuerdo con los mismos principios. (Henry Moore, Sculpture and Drawings 1921-1948, vol. I, London, 1957)

En este museo imaginario tan real como inexistente, se han reunido obras de pintores del siglo XIX, que pintaron con su peculiar estilo el género del desnudo.


ARTISTA: Hippolyte Flandrin -Lyon, 1809 - Rome, 1864 TITULO: Hombre joven desnudo sentado en el borde del Estudio de la figura del mar TÉCNICA: Óleo sobre lienzo MEDIDAS: H. : 0,98 m. , L. : 1,24 m. PROCEDENCIA: Museo de Louvre, adquiridos en la lista civil de Napoleón III en 1857 y dado por el emperador EXPUESTO: SI

Hippolyte Flandrin continua el estilo del gran decorador de su maestro, Ingres, pero en cierta manera, aplicado al arte del cristianismo, inspirado en pintores italianos del Trecento al Cinquecento o incluso hasta en los mosaicos


Paleocristianos de Ravena y aproximándose mucho al arte de los nazarenos Alemanes3. La obra “Juventud desnuda sentada junto al mar” nos recuerda al Edipo pintado por Ingres su maestro , donde su influencia arraiga en los alumnos como Flandrin que regentaba la Escuela Francesa en Roma. La figura humana masculina casi en forma de circulo con un gusto refinado de la estética neoclásica exquisito, se envuelve en una atmosfera inquietante con un paisaje marino de fondo de excelente cromatismo, azul, verde, ocre, gris impregnan una sutil luz mediterránea. El joven está envuelto en sí mismo, como si quisiera aislarse de todo lo que le rodea,

¿pretenderá encontrar su propio espíritu ? en un estado melancólico que nos conduce a la intemporalidad. Esta obra fue enviada desde Roma a París en 1836 como un ejemplo de los discípulos de Ingres. Fue Enrique Arias y Wifredo Rincón, Historia Universal del Arte. Tomo 9, del Romanticismo al Modernismo. 3

mostrado en la Exposición Universal de 1855 en París y posteriormente fue comprada por Napoleón III en 1857.El emperador donó la obra al Museo de Luxemburgo en París.En 1832 Hippolyte gana el Prix de Roma gracias a su cuadro "Reconocimiento de Teseo por su padre", lo que le permitirá estudiar en Roma durante cinco años.Tras regresar a Francia en 1838, recibirá el encargo de decorar la capilla de San Juan de la iglesia de San Severin de París, lo cual incrementará notablemente su fama. En 1856 es nombrado Académico de Bellas Artes. Esta obra pasa desapercibida en muchos libros de Historia del Arte, posiblemente queda absorbida por la popularidad de Ingres y el queda relegado a un segundo plano. En este museo imaginario, le vamos a dar el protagonismo como se merece, recordando a los espectadores que el Neoclasicismo convivió a medianos del siglo XIX con diversas manifestaciones artísticas entre ellas el Romanticismo, los prerrafaelitas, o los mismos nazarenos.

Toni Bennasar MUSEO IMAGINARIO 8 EL DESNUDO EN EL SIGLO XIX ARTISTA:Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867) TÍTULO OBRA: la fuente ( La primavera) 1820-1856 TÉCNICA: óleo sobre lienzo MEDIDAS: H. 163 cm L. 80 cm PROVIENE: París, Musée d ' Orsay EXPUESTO: SI


Ingres pintor que abrió importantes caminos en la libertad de la línea y la ensoñación pictórica y como bien utiliza en esta obra un lenguaje renacentista, Neoclasicista, esta figura femenina, desnuda simboliza el nacimiento de una fuente y tiene muchas influencias con su Venus Anadiomena, El desnudo es pintado como excusa de la mitología griega y alude al nacimiento de una fuente o un rio en el bosque, tiene un criterio casi escultórico situando la figura femenina delante de un fondo rocoso con plantas trepadoras con una actitud de estatismo monumental, en una obra que muchos críticos del Arte se han preguntado sobre el deseo del pintor para crear ¿ una figura de la belleza ideal? El realismo de estilo neoclásico acompañado de una pincelada poco brillante y aterciopelada en las curvas nos sugiere la textura de la piel con unas curvas en su cuerpo alargado que no es más que un pretexto como dice Francastel4

“ subordina la línea al modelo Francastel .P Historia de la pintura francesa. Alianza Editorial 4

sino a la impresión recibida por el espectador , en este sentido Ingres es el precursor de los deformadores y un auténtico revolucionario”. Esta forma de pintar lo convierte en un gran dibujante y con un gran logro de análisis psicológico , originalidad creativa y equilibrio plástico con un uso del color peculiar que parece recuperar los tonos claros del Rococó francés y tratando el color local como una serie de esmaltes a las que añadirá las sombras en todas las superficies con un contraste y difuminado especial ya que hasta las partes claras estarán impregnadas de unas suaves sombras que ayudarán a crear un volumen excepcional en las figuras representadas con una belleza donde el tacto dibuja los contornos de unos cuerpos soñados , pero no por ello menos verdaderos. Sus odaliscas , “ el baño turco” son obras que enlazan al pintor Degas y de allí a otro gran salto como el gran Picasso y Matisse.


ARTISTA: Gustave Courbet (1819-1877) TÍTULO OBRA: Le Sommeil ( el sueño) TÉCNICA: óleo sobre lienzo MEDIDAS:H. : 135, L. : 200 cm PROVIENE: Petit Palais, Musée des Beaux-Arts de la ciudad de París EXPUESTO: SI


Las figuras desnudas de Courbet , son diferentes, porque dejan de tener el rostro de deidades como Venus o el cuerpo de ninfas y es que cuando Courbet pinta desnudos, los pinta de carne y hueso, de verdad, y “el sueño”en concreto tiene una sensualidad asombrosa. Las dos figuras desnudas dormidas, con este realismo que el propio Courbet decía

> no obstante su realismo no fue solo un cambio de orientación de lo ideal y lo real, fue también un cambio radical de la concepción y la teoría del arte, y se podría decir que estamos delante de una pintura transgresora, porque lo mítico, o heroico, propio del romanticismo fue desplazado por la atención de lo cotidiano, del presente , del inmediato, planteando nuevas dimensiones en el entorno social como es en este tema: Se trataba de un tema morboso en la época que vivió el artista: la relación sexual entre dos mujeres, hoy en día el tema aun es objeto de debate por si se trata de una relación amistosa entre amigas o de una obra

sobre una relación lésbica , incluso algunos autores han interpretado que la mujer rubia tiene un sueño erótico5.La figuras refinadas de piel blanca destacan del fondo oscuro de terciopelo azul y en primer plano visualizamos una mesita de madera con motivos florales en la tapa y encima un cáliz una botella azul y una jarra de cristal y un collar roto. Según algunos autores el collar roto que pasa por debajo de la mujer morena simbolizaría la falta de cometida, mientras que el cáliz, podría ser un signo de arrepentimiento. Al fondo a la derecha hay un jarrón con flores, posible regalo de una de las amigas a la otra.El tema fue pintado seguramente por petición del diplomático Khalil Bey6 y esta obra entraría directamente en su colección privada sin tener que someterse a censuras, Courbet se inspiraría en grabados tomados de evocaciones literarias tan a favor del gusto de su patrocinador.

L. Cirlot (dir.), Museo d’Orsay, Col. «Museos del Mundo», Tomo 8, Espasa, 2007, págs. 66-67 6 Según el Museo de Bellas artes de París: www.petitpalais.paris.fr/fr/collections/lesommeil 5


ARTISTA: Edgar Degas (1834- 1917) TÍTULO OBRA: Mujer peinandose TÉCNICA: Pastel sobre papel MEDIDAS: 61, 3 cm x 46cm PROVIENE: Metropolitan Museum of Art , Nueva York EXPUESTO: SI


Esta obra de Edgar Degas normalmente expuesta en la galería 817 del Metropolitan de Nueva York está realizada con la técnica del Pastel, tan alabada esta manera de trabajar por los coleccionistas privados de finales de siglo. Los desnudos de Degas pretenden liberar de cierta manera de toda afectación, es decir que, se niega a la idealización. Sus mujeres salen de la bañera , se lavan, se peinan, se secan y se oponen claramente a un enmarcamiento literario o mitológico, tan popular entre sus contemporáneos , sin embargo, la mirada de Degas sigue siendo sobria: 7 El gran impresionista, aplica el color con gran fuerza lumínica, el pigmento seco es aplicado con tal intensidad en las sombras que la línea ya no es límite de una forma o de un volumen si no que da vida Bern Growe, recoge esta cita en su libro “Edgar Degas, Taschen Editorial 2002 7

llena de color en toda su amplitud e intensidad a superficies enteras. La luminosidad de la carne presenta la piel con puro colorido e inmersa en un entorno brillante de difícil consecución con esta técnica, ya que según el decía que lavaba los pasteles, una y otra vez para conseguir este color luminoso y evitar que los colores se ensuciasen. Degas en esta obra busca atrapar el instante, el momento previo y posterior al movimiento, ( al estilo de los escultores griegos), además diferentes historiadores han coincidido que Degas, proponía buscar el , Y en esta obra nos muestra la cara mas sosegada del animal arreglandode, lamiéndose y el espectador de la obra se convierte en un mirón (también

animal?) La imagen seguramente de una prostituta de burdel peinándose con naturalidad en el momento de aseo íntimo nos introduce en la escena haciéndonos participe de ella, entrando en el lugar privado.


ARTISTA: Berthe Morisot ( 1841 – 1895) TÍTULO OBRA: Pastora desnuda tumbada (1891) TÉCNICA: Óleo sobre lienzo MEDIDAS: 57,5 x 86,4 cm PROVIENE: depósito del Museo Thyssen-Bornemisza EXPUESTO: SI


Berthe Morisot, pintora del movimiento impresionista que junto con Degas, fue la que más veces expuso a lo largo de los ocho exposiciones del movimiento y, sobre todo

“Morisot logró concretar su sentido del color y de las formas en un estilo propio caracterizado por el predominio de la luz y las libertad de una pincelada audaz y personal que semeja a una especie de caligrafía abstracta” 8 En este desnudo, Morisot desarrolla un estilo personal que no tiene paralelismos con la obra de Renoir9 y tampoco de Degas cuyos desnudos admiraba. De hecho según Ronald Pickvance10 , y es que Morisot, fue de joven discípula de Corot. Este es el estudio de desnudo femenino más completo y El arte del siglo XIX, Uned, Ediciones Ramón Areces, pp 180. 9 Ronald Pickvance, Museo Thissen. 10 Museo Thissen, http://www.museothyssen.org/thyssen/fic ha_obra/699 8

ambicioso que jamás pintó, de un contorno y modelado, más compacto que de lo normal, ya que en sus últimas obras, fue ganando ligereza, no obstante en esta obra se encuentra como siempre, su fascinante juego de luz y de colores claros. La figura tumbada, centra toda la atención en la composición, que esta tendida sobre una hierba de colores, verde y ocre y con algunas pinceladas blancas que iluminan la obra. Detrás un paisaje, que parece haber sido eliminado, quedando solamente unas pinceladas azules que dan sensación de profundidad, y lejanía. Su arte más personal, se refleja en retratos y escenas intimistas, con una pincelada de grandes manchas de color y sin una estructuración sistemática de luminosidades irisadas y una sutil gama de color aplicada con una armonía que la caracteriza. Morisot en su etapa final, ciertos historiadores ven que su pintura se aproxima a la de Renoir11. Enrique Aias y Wifredo Rincón, Historia Universal del arte , Tomo 9, Del Romanticismo al Modernismo,pp 216. 11


AUTOR: Paul Gauguin TÍTULO DE LA OBRA: Estudio de un desnudo o Suzanne cosiendo TÉCNICA: Óleo sobre lienzo MEDIDAS: 114 cm × 79,5 cm PROVIENE :Ny Carlsberg Glyptotek, Copenhague, Dinamarca EXPUESTO:SI

Esta obra pintada por Gauguin, fue pintada en sus primeros años como pintor , cuando frecuentaba los círculos impresionistas. Gauguin lo presentó en la 6ª Exposición Impresionista de 1881, y el cuadro para el público resultó provocativo. La desnudez de la


modelo se explicaba porque estaba cosiendo su camisa, y sus proporciones porque estaba embarazada. Algunos críticos, como Georges Huysmans12 era la

«representación de una mujer de nuestro tiempo». Además lo comparó con Rembrandt y elogió el atrevimiento de los pintores como Gauguin para intentar plasmar una alternativa a los desnudos artificiosos de los pintores académicos y esta crítica supuso un gran éxito para Gauguin. El cuerpo de la modelo está en una perspectiva de tres cuartos con la cabeza de perfil. El rostro de la cara sugiere una mujer atractiva, no obstante, el cuerpo es flácido, desproporcionadamente e intencionadamente feo. Esta situada en un interior de un dormitorio, sentada en la cama deshecha que está contra una pared malva y decorada con una mandolina y un tapiz. La mujer esta arreglando una prenda, mientras se encuentra en una desnudez, nada Charles Marie Georges Huysmans (París, 1848 - id., 1907), conocido como Joris-Karl Huysmans, fue un escritor francés. Los trabajos de Huysmans expresan un disgusto por la vida moderna y un profundo pesimismo

disimulada. Según Denvir, Barnard13,la técnica usada supone una experimentación del estilo puntillista de Georges Seurat. La aplicación de la pintura a través de pinceladas finas de color puro, provoca una luminosa impresión de movimiento. Pero el color del fondo es estático y nada impresionista, Gauguin se referiría a los puntillistas como los «jóvenes químicos que

hacen cuadros a base de manchas»14 Pero Gauguin estaba muy interesado en el arte primitivo, y diez años después de pintar esta obra, viajo a Tahití creyendo encontrar el mito del paraíso y encontrar la libertad. Y aunque no he encontrado en diferente bibliografía alguna, relación con lo primitivo, en esta obra creo que ya se ve la vinculación, con el arte primitivo y la mujer embarazada ,¿ podría

responder, a las preguntas que más tarde se realizó? ¿ De dónde somos? ¿ a dónde vamos?.

12

Denvir, Barnard (1994). «Carta de Paul Gauguin a Mette Gauguin, marzo de 1892». Paul Gauguin: La búsqueda del paraíso. 14 Ibidem 13


AUTOR: AUGUSTE RODIN (1840-1917) TÍTULO DE LA OBRA: FUGIT AMOR TÉCNICA: ESCULTURA DE MARMOL TALLADO MEDIDAS: H. 51 cm, 72 cm W., D. 38 cm PROVIENE : MUSEO RODÍN EXPUESTO:SI


Rodin fue un artista prácticamente autodidacta rechazando su ingreso a l’Ecole des Beaux-Arts,no obstante trabajó como decorador en el taller de Albert-Ernest y CarrierBelleuse, primero en París y luego en Bruselas, donde su habilidad en el manejo de temas decorativos se hizo evidente . En un viaje a París, descubrió las esculturas de Miguel Angel y sus influencias fueron decisivas en su carrera, Rodin abrió nuevos caminos en la técnica de la escultura que fueron fundamentales para la estética artística del siglo XX. Este desnudo, es una de las composiciones más bellas de Rodín, los dos cuerpos se combinan en un movimiento que fluye a flor de piel, y no es para menos, porque, esta representación remite a la situación sentimental del escultor tras la separación de su amante y discípula Camille Claudel. Hay un fuerte dramatismo en la escena , inspirada en el segundo círculo del infierno de Dante el cual describe el eterno deambular de las

parejas obligado por su pecado de un amor prohibido. Este pequeño grupo figura en su origen en la Puerta del Infierno. La Puerta, encargada en 1880, es la obra central de la vida de Rodin. El escultor elige ilustrar, El Infierno de Dante , poblado de condenados supliciados. Las figuras están acrobáticamente enganchadas, desnudas encima de una roca de mármol que no está terminado de tallar. Están haciendo un movimiento de flujos contrarios, la figura humana exagera la tensión de sus músculos, para subrayar tal vez la miseria de la figura humana. "15

Pablo Gsell, Rodin sobre arte y artistas, pp 11. 15
